Dancing on the Edge of the Abyss (Demo) (2006) (Demo completa)
Las muchas partes de In the Abyss, presentado en la serie Bright Nights de Citadel + Compagnie, no acaban de formar un todo satisfactorio, pero los cuatro intérpretes nunca pierden nuestra atención. La coreógrafa y directora artística de Political Movement, Aria Evans, se inspiró para la creación del espectáculo en el “hecho científico y la bella metáfora de que todos estamos hechos de polvo de estrellas”. Impulsada a plantear preguntas sobre la naturaleza del universo, la fragilidad de la conexión humana y la esperanza de curación en una época de amenazas a nuestra existencia, Evans encargó un texto a Ximena Huizi y reunió a los bailarines Irvin Chow, Ana Claudette Groppler, Syreeta Hector y David Norsworthy para expresar con palabras y movimiento los temas elegidos.
La escenografía de Rachel Forbes desempeña un papel igualmente importante en la obra: consta de piezas móviles, dos rampas y una caja alta con una abertura que parece la boca de una mina y sirve también para enmarcar escenas como el encuentro de una pareja en un bar.
Los bailarines salen de la caja a un decorado en penumbra, como si emergieran tras una tormenta o entraran en una nueva forma de vida. Vestidas de blanco y negro, moviéndose lentamente al son del zumbido de la partitura electrónica de Babak Taghinia, se extienden mientras una de las mujeres habla de “un acontecimiento astronómico”, una estrella que “colapsa sobre sí misma” y “un aterrizaje suave”. Estas y otras afirmaciones y frases inconexas son pronunciadas por cada una de las intérpretes mientras ejecutan tríos, dúos y solos, y, moviendo las grandes rampas para dar forma a su entorno, crean pequeñas viñetas, de amantes abrazándose o niños jugando juntos.
FANMADE Dancing Line – The Abyss | Colaboración con Azure
Dancing on the Edge of the Abyss: Abstraction by African American Women Artists in The Cochran Collection21 de abril – 26 de agosto de 2018Yarbrough GalleryWes y Missy Cochran de LaGrange, Georgia, llevan más de 40 años adquiriendo obras de maestros americanos del grabado. Durante ese tiempo, han compartido generosamente aspectos de su colección con otras comunidades de todo el país, desde Cleveland hasta Baton Rouge. Organizado por el Doctor Jonathan Frederick Walz, Conservador de Arte Americano, y el antiguo alumno de la Columbus State University Isaac Sabelhaus, este proyecto presenta una nueva selección de más de dos docenas de obras sobre papel poco vistas de 18 mujeres diferentes. Estas artistas se mantuvieron fieles a su visión de explorar la imaginería abstracta, incluso cuando las fuerzas del mundo del arte consideraban que las imágenes figurativas o basadas en la naturaleza eran más comercializables o más relevantes. Desde una íntima acuarela sin título de Alma Thomas hasta el grabado Kyoto Positive/Negative de Howardena Pindell, las obras de la exposición dan testimonio de la singular imaginación de cada una de sus creadoras.
Dancing On The Edge (Vídeo musical oficial)
En Los anagramas de Varsovia, su octava novela publicada, Richard Zimler ha llegado al corazón mismo de su tema esencial: el propio Holocausto. Es como si, en sus libros anteriores, que trataban de las persecuciones de judíos y no judíos -ya fueran habitantes de la India colonial (El guardián del alba), africanos esclavizados en Estados Unidos (Caza a medianoche), alemanes (La séptima puerta) o palestinos (La búsqueda de Sana)-, se hubiera ido acercando, en círculos cada vez más estrechos, a este momento extraordinariamente doloroso.
“Como escritor, quiero hacer que la gente mire cosas que no quiere”, comenta Zimler con frecuencia. A diferencia de muchas novelas históricas, las suyas no son evasivas. Más bien, al obligar a los lectores a ver el pasado, iluminan las fuentes de la injusticia actual. Y escribe con una rabia feroz: las escenas de violencia son espantosas: un bebé sin cabeza sobre una pala. Estas escenas no están asépticas como, por ejemplo, en una típica película de guerra. En los libros de Zimler, cuando la gente es brutalizada o asesinada, su sufrimiento se hace patente.
“tengo algo artístico atrapado dentro de mí y no puedo
Durante el fin de semana de Pascua de 2015, la muestra Russian Case presentó espectáculos seleccionados del Antifaz de Oro para críticos y productores del extranjero. El énfasis se puso en obras nuevas e inusuales, por lo que los ganadores y algunos de los nominados a la Máscara de Oro más conocidos (Andrey Moguchi, Declan Donnellan) no estaban en la oferta, pero los invitados extranjeros todavía tenían mucho donde elegir, con marionetas, teatro literal, farsa amplia y teatro de objetos compitiendo por un lugar junto a clásicos reexaminados.
Esto, y las ambivalentes reacciones oficiales a la película Leviatán, nominada al Oscar, son prueba de un nuevo endurecimiento en Rusia de los intentos conservadores de influir en las artes. Un sistema de certificación obliga ahora a los teatros a etiquetar los espectáculos como no aptos para menores de doce, dieciséis o dieciocho años, respaldado por edictos más generales, que prohíben no sólo la blasfemia, sino también las palabrotas en escena (también prohibidas bajo el régimen soviético) y la acusación más sutil, quizá la más peligrosa de todas, de “distorsión de la historia”.
La pequeña contribución de Kulyabin al caso ruso, los Sonetos de Shakespeare, fue para este corresponsal el espectáculo más memorable del largo fin de semana. En un escenario clásico, que podría ser un salón de baile desierto, dos hombres y tres mujeres posan y se enzarzan en elegantes juegos preliminares. Una soprano se entromete de vez en cuando con canciones, desde la Vocalise de Rachmaninov hasta el Lamento de Dido de Purcell, acompañada por un pianista cuya interpretación se reduce gradualmente al aporreo desafinado de su teclado destrozado. En el lado opuesto del escenario, dos técnicos, a la vista de todos en su rincón, mueven el atrezzo y las luces cuando no están comiendo su almuerzo.
